Théâtre des Lucioles

8h ne font pas un jour

Les Lucioles — 2025-09-11T09:25:57Z

Représentations
8 octobre > 11 octobre 2025
à l'Ecole Auvray Nauroy - Saint Denis

Cette création est née d'un stage organisé en février 2025 et encadré par Pierre Maillet.
Elle se concentre sur la série culte de Fassbinder sur la classe ouvrière, censurée pour son fort impact social. Les participant.es exploreront des épisodes non filmés, abordant des thèmes de solidarité et d'émancipation.

INTENTION Pierre MAILLET
Huit heures ne font pas un jour

« Série culte de Fassbinder, dont les cinq premiers épisodes ont été diffusés à la télévision allemande d'octobre 1972 à mars 1973, Huit heures ne font pas un jour est une fresque familiale sur le monde ouvrier, joyeuse et subversive. Elle décrit la vie quotidienne d'une famille de la classe ouvrière en Allemagne de l'Ouest, entre utopie prolétaire et anticonformisme culturel des années 1970. Fassbinder y aborde aussi bien les revendications sociales et le syndicalisme ouvrier, que le désir d'émancipation des femmes par le travail, ou l'essor du consumérisme avec l'ouverture de l'Allemagne de l'Ouest au libéralisme occidental. Loin du documentaire social, c'est une démarche fictionnelle que revendique Fassbinder, forçant le trait optimiste, pour donner de l'espoir et renseigner sur le pouvoir de l'action collective et la force de la solidarité. « C'est presque un crime de représenter le monde tel qu'il est », disait-il.

Jamais auteur n'aura été plus attentif à son époque et aux gens que Rainer Werner Fassbinder dans les années 70/80 (à part peut-être Almodovar en Espagne qui prendra en quelque sorte le relais après la mort prématurée de Fassbinder en 82 à l'âge de 37 ans). Boulimique jusqu'à l'épuisement, cinéaste, dramaturge, acteur et chef de troupe, l'impressionnante filmographie de Fassbinder -40 films en 10 ans (une dizaine de pièces de théâtre sans compter ses nombreuses mises en scène et adaptations) a toujours été une source intarissable d'inspiration pour moi.

La « comédie humaine » de Fassbinder est une œuvre construite pierre par pierre où chaque film a une fonction particulière et fondatrice. « Certains de mes films sont la cave, d'autres le salon, la chambre ou la cuisine mais j'espère qu'à la fin on aura une maison. » aimait-il à dire de son travail. Pour cette raison, j'ai toujours trouvé un peu frustrant de ne monter « qu'une » pièce de lui. « Je fais des films comme si je faisais du théâtre et je mets en scène au théâtre comme si je réalisais des films » Après avoir mis en scène la quasi-totalité de son théâtre, et m'être attaqué à son œuvre cinématographique dans
« Le Bonheur (n'est pas toujours drôle) » où je mettais 3 de ses films en écho « Le droit du plus fort », « Maman Küsters s'en va au ciel » et « Tous les autres s'appellent Ali », je suis très heureux d'aborder avec ce stage un autre aspect de sa filmographie : la télévision.

A l'instar d'autres grands cinéastes européens comme Ingmar Bergman, Krsysztof Kieslowski ou Maurice Pialat pour n'en citer que 3, Fassbinder a toujours considéré ce média comme une façon d'atteindre un public plus large et plus diversifié tout en gardant la portée politique de son cinéma qu'il avait déjà rendue plus accessible au milieu des années 70 sous la forme de « mélodrames sociaux ». Rendant par ce biais un hommage vibrant à son compatriote Douglas Sirk qui dans les années 50 avait subtilement rempli de messages humanistes les mélodrames que les grands studios hollywoodiens
lui commandaient à la chaîne pour (soi-disant) un public de femmes au foyer.

Dans ses travaux télévisuels, Fassbinder n'a jamais méprisé ce média (et le public avec) lui réservant même des expériences ultimes et pas si évidentes que ça sur le papier : notamment l'adaptation d'un roman de science-fiction « Le monde sur le fil », et bien sûr son grand œuvre qui fait presqu'office en 1980 de point culminant dans sa carrière : « Berlin Alexanderplatz », roman d'Alfred Doeblin, fondateur pour Fassbinder, qu'il développera sous forme de 11 épisodes variants de 50 minutes à 1 heure 30 et d'un épilogue personnel de 2h30 sur son rêve de Franz Biberkopf (personnage principal du livre dont il empruntera le nom dans plusieurs de ses films). Le succès sera au rendez-vous à chaque fois.

Mais le plus grand impact de Fassbinder à la télévision restera « Huit heures ne font pas un jour », série composée de 8 épisodes dont la réussite et le retentissement populaire mèneront la chaîne allemande WDR à en arrêter la production après le 5ème épisode, craignant un soulèvement social d'une ampleur insoupçonnée. Ce n'est donc pas rien de dire à quel point le message était clairement passé cette fois, et à quel point l'édition et la traduction française des 8 épisodes écrits par Fassbinder en 1972 constituent un véritable événement.
Le spectacle reprend, entre autres, les 3 derniers épisodes de la série, qu'il n'a donc jamais pu tourner, et qui semble-t-il n'ont pas été montés non plus dans la mise en scène de Julie Deliquet lors de la création du spectacle en 2020.

La beauté de cette saga « familiale et ouvrière » comme Fassbinder la décrit lui-même réside aussi dans l'amour qu'il porte à cette communauté transgénérationnelle qui plus est, « 8 heures ne font pas un jour » étant peut-être la seule œuvre volontairement positive de toute sa carrière. Que ce soit son œuvre la plus lumineusement humaniste qui soit paradoxalement censurée par la télévision malgré l'énorme succès public auprès des téléspectateurs, en dit long sur la puissance insoupçonnée de la saga. »

Bagarre

Les Lucioles — 2025-09-11T09:05:53Z

Texte
Sarah Hassenforder
Mise en scène
Élise Vigier

Avec
Hinda Abdelaoui,
Esther Armengol,
Aymen Bouchou,
Saïd Ghanem,
Romain Gy

Production
Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines,
Soutien
Région Île-de-France dans le cadre de l'ÉPAT

"Bagarre", c'est la lutte pour le pouvoir, qu'elle passe par les poings, les mots ou l'enceinte. C'est les pieds qui tapent, les nuques qui battent la mesure, les bouches qui crachent, les yeux noircis par le maquillage ou les embrouilles, les arcades qui pètent, le verre qui se brise, l'alcool qui se renverse, les tympans qui s'abîment, la poussière qui se soulève, les boules Quiès dans les cadavres d'Heineken. Bagarre est née d'une envie d'écrire pour et sur l'adolescence, dans une « langue adolescente » dont s'emparent Lucien, Oumaïma, Itziar, Tomy et Joan, chacun·e à leur manière.

EXTRAIT
LA PROCHAINE CHANSON NOUS TIENT GRAVE À COEUR
ON L'A COMPOSÉE QUAND ON ÉTAIT ENCORE AU LYCÉE
QU'ON GALÉRAIT À TROUVER NOTRE PLACE
QU'ON AVAIT L'IMPRESSION QU'ON LA TROUVERAIT JAMAIS
CETTE CHANSON ELLE EST POUR TOUS CEUX QUI L'ONT CRU AUSSI
ET CEUX QUI LE CROIENT ENCORE
ÇA FAIT PEUT-ÊTRE VIEUX CONS DE VOUS LE DIRE COMME ÇA MAIS
VOUS VERREZ
ON TROUVE TOUJOURS

Oiseau (guide de survie)

Les Lucioles — 2025-09-10T15:02:56Z

Tout public à partir de 10 ans

À l'origine de ce projet, il y a une rencontre autour du texte "Oiseau [guide de survie]" de l'autrice québécoise Marie-Christine Lê-Huu qu'Élise Vigier a exploré dans le cadre d'une mise en espace à la Sorbonne-Nouvelle, puis en janvier 2025 avec des étudiant.e.s en interprétation et mise en scène à l'École Auvray Nauroy.

La pièce est lauréate de l'aide à la création ARTCENA (2022) et des Journées de Lyon des auteurs de théâtre (2023). Elle a aussi valu à Marie- Christine Lê-Huu le Grand Prix de littérature dramatique jeunesse en novembre 2024.

"Oiseau [guide de survie]" est un texte en fragments à travers lequel se déploient les questions de la différence et de ses incidences. La détresse parentale y est centrale, de même que l'absurdité de comportements sociaux qui constituent cette norme qu'on pousse chacun et chacune à intégrer.

Le texte propose d'expérimenter et d'observer comment la violence surgit face à la différence, quelles ondes de choc elle provoque, comment la différence d'Oiseau crée un séisme, une fissure. Et comment, en écho, chacun, chacune est traversé par la secousse.

Car la différence d'Oiseau fait perdre aux autres leurs repères, collectivement et individuellement. Cette existence qui échappe au joug de la norme trouble leur confort et leur compréhension ordonnée du monde.

Contact
production/diffusion
Emmanuelle Ossena
EPOC productions
e.ossena epoc-productions.net
T. 33 (0)6 03 47 45 51

Texte
Marie-Christine Lê-Huu
Mise en scène
Élise Vigier

avec
Louise Hakim (danseuse),
Marc Bertin (acteur),
Jacinthe Cappello (actrice et peintre-dessinatrice)
en cours

Collaboration artistique Marie-Christine Lê-Huu
Composition musicale et sonore Manu Léonard
Espace et régie générale Camille Faure
Costumes Laure Mahéo
Lumières Bruno Marsol
Dessins Jacinthe Cappello

Production
Parmi Les Lucioles
Coproduction en cours de montage

Le texte de la pièce est édité chez Lansman Éditeur
et a reçu le Grand Prix d'écriture dramatique jeunesse 2024

Mémoire à trois temps

Les Lucioles — 2025-06-25T12:52:30Z

Journal - Portraits de l'ennui

Les Lucioles — 2024-10-16T12:43:04Z

Une pièce imaginée
à partir de
Journal de New York d'Édouard Louis
et de la parole filmée de
Enzo et Gino

Un projet de et avec
Philippe Marteau

Collaboration artistique
Mikaël Bernard

Création lumière
Antoine Travert

Mouvement
Kathleen Reynolds

***
Le journal de New York
a été écrit pour la revue
Les inrockuptibles
en juin 2017

***
Production
LES LUCIOLES

Partenaires
L'AIRE LIBRE
St Jacques de la Lande
MAISON DU LIVRE
Bécherel

Accueil en résidence
Lycée Bréquigny
Rennes

avec le soutien
DRAC Bretagne - Aide au compagnonnage

Publié dans la revue Les Inrockuptibles, Journal de New York retrace la vie de l'écrivain Édouard Louis dans cette ville où il séjourna de février à mai 2017.

Il évoque son enfance et la vie dans ce village de Picardie où il a vécu pendant 15 ans et où règne la misère économique. Il parle de violence de classe, de la réinvention de soi, de politique, de sa difficulté à écrire.

Il explique et défend pourquoi et pour qui il écrit. Il raconte ses amis, partage ses découvertes intellectuelles et littéraires.
J'ai désiré et choisi d'associer ses mots et ses combats à ceux d'Enzo et de Gino, pour porter leurs voix.

J'ai rencontré ces deux frères jumeaux, âgés de 20 ans, dans le village où j'ai grandi. Après avoir recueilli leur témoignage, j'ai décidé de réaliser un portrait filmé.
Ces fragments de vie sont des parcours façonnés par la relation au père. Ils nous parlent d'une société qui exclue, de la difficulté de vivre avec sa différence.

Sur scène, un espace réduit, celui de l'appartement de l'auteur où la musique trompe son ennui. Au milieu, du mobilier, le fond de scène est surface de projection.

Entre réalité et fiction, ce spectacle donne à voir une jeunesse vulnérable et fragile qui se sent abandonnée.

Philippe Marteau

Contact
Les Lucioles
T. 06 49 29 47 25
theatredeslucioles wanadoo.fr

Lucy Seule

Les Lucioles — 2024-10-16T12:43:00Z

à partir
des livres dessinés de
Perrine Rouillon
Mona-Mie et Le petit dessin avec une culotte sur la tête
(Ed Seuil Jeunesse)
et du
Livre de lecture
de Gertrude Stein
(A partir de la traduction de Martin Richet / Editions Cambourakis )

***

Conception & jeu
Frédérique Loliée

Mise en scène
en collaboration
Matthias Langhoff,
Frédérique Loliée
& Luis Enrique Gomez Bastias

Décor
Matthias Langhoff

Peinture
Catherine Rankl

Lumière & Régie générale
Laurent Bénard

Son & musique
Teddy Degouys

Marionnettes & objets
Luis Enrique Gomez Bastias
assisté par Benoit Halder
& Simon Ottavi

Création vidéo
Romain Tanguy

Perruque
Cécile Kretschmar

Costumes & couture
Sophie Ongaro

***

Le décor a été réalisé par l'Atelier de La Comédie de Caen avec l'aide de Microkhàos Atelier

***

Production
Les Lucioles - Rennes
Coproduction
Comédie de Caen
CDN de Normandie
Théâtre du Champ au Roy Guingamp
Comédie de Colmar
CDN
Association CREA
Scène conventionnée Jeune Public d'Alsace

Avec le soutien
le LoKal – Saint Denis (La Compagnie/Jean-Michel Rabeux)

Et l'aide de la SPEDIDAM

Théâtre visuel
Tout public à partir de 7 ans
Scolaires à partir de 8 ans
Durée 1h

Le spectacle se raconte avec une grande personne et des petites personnes en forme d'objets, de marionnettes ou de dessins animés. Il se compose à partir du personnage La Petite Personne des livres dessinés de Perrine Rouillon et de pièces de théâtre très courtes de Gertrude Stein.

Que peut-elle bien faire toute seule toute la journée, se demandaient les gens en la voyant ? « Je pense ! voilà. Donc déjà je suis pas toute seule : je suis avec moi ! »

Lucy seule invente des histoires avec tout un bazar sorti d'une armoire : des marionnettes et des objets qui doivent obéir, parce que c'est elle qui commande !
Et puis il y a un personnage-gribouillis qui ne comprend pas du tout l'intérêt du « Il était une fois » alors que le simple fait d'exister est exaltant.

Bien-sûr elle savait qu'un lion n'est pas bleu mais le bleu est sa couleur préférée.
G. Stein

Texte du spectacle disponible sur demande

Et à la fin du spectacle, Lucy Seule offre un KIT avec 4 fils de fer et 1 mode d'emploi pour fabriquer sa petite personne à la maison.

Lucy Seule teaser from Alban Van Wassenhove on Vimeo.

Présentation d'atelier

Lucy seule / Atelier à l'école Les Drakkars à Cormelles-le-Royal from Comédie de Caen on Vimeo.

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@ Alban Van Wassenhove

Contact diffusion
Geneviève de Vroeg-Bussière
T. 06 63 96 24 12
diffusion.lucioles orange.fr

Et j'en suis là de mes rêveries

Les Lucioles — 2024-03-14T10:24:40Z

d'après Rabalaïre
d'Alain Guiraudie

Mise en scène
Maurin Ollès

avec
Pierre Maillet
Maurin Ollès

participation en images de
Ferdinand Garceau
Jean-François Lapalus
Julien Villa

écriture et adaptation
Ferdinand Garceau
Pierre Maillet
Maurin Ollès

production et assistanat réalisation
Julie Lapalus

dramaturgie et script
Ferdinand Garceau

scénographie et costumes
Zouzou Leyens

lumière et régie générale
Bruno Marsol

son
Manon Amor

Diffusion & regard extérieur
Aurélia Marin

construction
Marc De Frise

stage maquette
Yuna Choï

image
Lucas Palen

assistanat caméra
Micaela Albanese

montage image
Mehdi Rondeleux

prise de son
Arnold Zeilig

perche
Paul Guilloteau

montage son et mixage
Tiphaine Depret

décors et accessoires
Nissa Abaoui

régie
Mélaine Jonckeau

étalonnage
Erwan Dean

musique originale et cuisine
Bédis Tir

musique générique de fin
Simon Averous

Production
Cie La Crapule

Coproductions et soutiens
Les gens déraisonnables (Parmi les Lucioles) /Rennes
La Comédie de Colmar - CDN
Réseau Puissance 4
Les Célestins - Lyon
Théâtre de La Bastille - Paris

Soutien à résidence
Maisons Mainou - Genève
la Chartreuse - Villeneuve lez Avignon
Centre national des écritures du spectacle

Au départ, il y a le film l'inconnu du lac d'Alain Guiraudie que je découvre un peu par hasard. Je trouve le film rare et d'une poésie infinie. En regardant une bonne partie de la filmographie de Guiraudie ensuite, je reconnais les motifs qui lui sont propres : les répliques pleines d'humour, la précision de l'écriture, la direction des acteur.ices étonnamment théâtrale, les personnages aux accents de l'Aveyron en perpétuels questionnements sur leurs désirs, se répondant d'un film à l'autre. Se dévoile alors un cinéma empreint de lutte des classes et de marxisme, où il est question du monde du travail, d'argent, de sexualité, et toujours d'amour.

Puis je découvre son roman, Rabalaïre, un mot occitan qui signifie « vagabond ». On y suit l'histoire de Jacques qui est au chômage, ne milite plus et ne sait plus quoi faire de sa vie. Ses maigres économies ne lui permettent pas de se projeter bien loin, il fait donc des allers retours entre Bellegarde où il réside (ville inventée, sorte de sous-préfecture aveyronnaise) et Clermont-Ferrand. Mais il n'est pas pressé, ce qu'il aime surtout, c'est passer du temps dans le petit village de Gogueluz, un endroit où le nouveau monde ne semble pas avoir posé ses valises.

Maurin OLLÈS, acteur & metteur en scène

...

LA PRESSE EN A PARLÉ

Car plaisir il y a, ô combien, dans ce spectacle qui musarde dans l'univers guiraudien, lequel stipule que les voies du désir sont impénétrables et doivent être amoureusement accueillies comme telles, en toute liberté, comme son héros sur les petites routes de l'Aveyron (…)
Le Monde par Fabienne Darge (02.04.25)

Ce spectacle boosté à la Brigoule, l'élixir local, inventif avec trois bouts de ficelle nous enchante, sa liberté par temps d'intégrisme de tous bords fait du bien. Il célèbre l'amour des corps, des autres, de la langue, de ces gens dont on ne parle jamais, des gros, des vieux, des culs terreux, des moches, avec beaucoup d'humilité et un vrai partage vers le public. Un bijou à ne pas rater au théâtre Bastille !
Un Fauteuil pour l'Orchestre par Sylvie Boursier (03.04.25)

Maurin Ollès et Pierre Maillet s'emparent de l'atmosphère fantastique du récit qui naît de ce glissement progressif, d'une narration hyperréaliste qui, toujours sur le fil, bascule imperceptiblement dans l'étrange. Avec une subtilité et une intelligence réjouissante, Maurin Ollès et Pierre Maillet déploient toute la théâtralité de l'univers si particulier d'Alain Guiraudie et donnent corps à ses personnages décalés, sans filtre, et si profondément humains.
Arts Mouvants par Sophie Trommelen (31.03.25)

Créé en octobre 2024 à la Comédie de Colmar, ce spectacle – que l'on a pu voir tout récemment au Théâtre Sorano à Toulouse – offre une traduction scénique ô combien stimulante de l'univers filmique et romanesque d'Alain Guiraudie, sans équivalent dans le paysage artistique français contemporain.
Les Inrockuptibles par Jérômes Provençal (01.04.25)

Un « Jacques a dit » scénique : instants de maîtrise perdue et plaisir pour le public qui en redemande, tant Pierre Maillet est un acteur heureux, facétieux, espiègle, railleur et drôle, contant à la salle son être-là au monde avec un étonnement qu'il goûte en poète – ouverture et humilité.
Hotello par Véronique Hotte (01.04.25)

@ Maurin Ollès

CRÉATION 2024
en coproduction avec
Parmi LES LUCIOLES
Les gens déraisonnables
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Contact

Aurélia Marin
Collaboratrice artistique Les gens déraisonnables
T. +33 (0)6 79 73 18 53
aurelia.marin mailo.com

Habiter

Les Lucioles — 2024-03-14T09:41:22Z

↪ Avec
Pierre Maillet
↪ Texte et mise en scène Patricia Allio
↪ Lumière
Emmanuel Valette
↪ Collaboration chorégraphique
Marcela Santander
↪ Graphisme
H.Alix Sanyas
↪ Régie lumière et générale
Océane Farnoux
↪ Administration
Marion Ribeyrolles
↪ Production
Amélie-Anne Chapelain

avec un exemplaire de
Refuge Wear – Habitent
de Lucy Orta

Production
Ice
Co-production
Festival Corps de textes
Festival Terre de Paroles
Les Gens Déraisonnables (Parmi les Lucioles) / Rennes
Avec le soutien
CDN Rouen Normandie – Théâtre des deux rives
Comédie de Caen
CNCA - Morlaix.
Soutien en résidence
Théâtre Silvia Monfort - Paris

Petit théâtre brut, ce monologue de Patricia Allio incarné par Pierre Maillet intègre autant de digressions philologiques, en apparence fantasques, que d'illustrations documentaires empruntées à l'actualité récente ou à l'histoire de l'art. Il y est question de la pensée queer. Ce courant révolutionnaire de la fin du XXème siècle questionne la possibilité d'un troisième genre et vise à défaire une conception fixiste et normative de la dualité des genres, pour penser le caractère mutable et pluriel de l'identité.
Dans Habiter, l'acteur Pierre Maillet, en génial conférencier, s'empare de ces concepts pour critiquer l'hétéronormativité dominante qui sert trop souvent à justifier un monde conservateur et les rapports de domination et de stigmatisation qu'il implique.

REPRISE
en coproduction avec
Parmi LES LUCIOLES
Les gens déraisonnables

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Edith Beale au Reno Sweeney

Les Lucioles — 2023-06-20T12:05:07Z

Texte de Sara Stridsberg
Traduction de Marianne Segol-Samoy

Une performance musicale mise en scène par
Pierre Maillet

Avec
Frédérique Loliée
Pierre Maillet
Luka Fiorello
Thomas Nicolle
Guillaume Bosson
Thomas Jubert

Texte français
Marianne Ségol-Samoy

Scénographie & lumières
Nicolas Marie
Régie générale
Thomas Nicolle
Création son
Guillaume Bosson
Musique
Billy Jet Pilot
et Luka Fiorello
Costumes
Zouzou Leyens
Perruques et Maquillages
Cécile Kretschmar
Accompagnement Dramaturgique et Développement de Projet
Aurélia Marin

Production
Les Gens Déraisonnables
Les Lucioles – Rennes

Coproduction
Canal
Théâtre du Pays de Redon, scène conventionnée d'intérêt National art et création pour le théâtre
Comédie de Caen
CDN de Normandie
Comédie de Colmar
CDN Grand Est Alsace
Le Quai CDN d'Angers

Avec le soutien de la SPEDIDAM
& Région BRETAGNE

Accueils en résidence
Le Canal
Théâtre de Redon
Maison Manou
Vandoeuvres (Suisse)
Comédie de Caen
Comédie de Colmar

La pièce "L'Art de la chute" de Sara Stridsberg (traduction de Marianne Ségol-Samoy) est publiée et représentée par L'ARCHE – éditeur & agence théâtrale. www.arche-editeur.com.

d'après la pièce "L'ART DE LA CHUTE" de Sara Stridsberg
Traduction : Marianne Ségol-Samoy
Parution : Arche Editeur

La pièce L'Art de la chute s'inspire des relations entre Edith et Edith Bouvier Beals, mère et fille, qui, durant plusieurs années, vivront totalement recluses dans un immense manoir en délabrement au cœur d'East Hampton, la station balnéaire des riches new-yorkais.
Nous sommes dans un lieu au-delà du « normal », le lieu de l'enfermement où la vie de deux femmes est en cours, dans une attente constante, entre ennui et angoisse, et des scènes de querelles répétitives à en devenir absurdes.

La Mère (79 ans) et La Fille (56 ans), ayant autrefois fait partie du grand monde, vivent aujourd'hui recluses dans leur manoir de dix-huit pièces devenu taudis et infesté de mouches, de chats, de ratons laveurs. Toutes les deux vivent en dehors de la réalité. Marginales, anticonformistes, elles ne songent qu'à leurs ambitions artistiques auxquelles elles n'ont jamais renoncé et ne meublent leurs journées que de danses, de chansons et de disputes.

La Mère et la Fille sont en chute libre et vivent dans la décadence totale. Elles sont ruinées, l'électricité peut être coupée à tout moment. Mais là, dans leur propre royaume, elles rejettent d'un geste indolent les lois, les normes et chutent avec grâce.
Régulièrement, différents personnages (joués par un/e seul/e acteur/trice) viennent leur rendre visite : Jackie Kennedy, les frères Bouvier, un journaliste, un ministre de l'intérieur, des anciens amants. On navigue alors entre le rêve et la réalité.
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NOTE D'INTENTION
PIERRE MAILLET

L'art de la chute de Sara Stridsberg s'inscrit pour moi dans une continuité artistique réunissant des thématiques et des « genres » (dans tous les sens du terme) que je développe depuis la création du diptyque Little Joe New York 68 et Little Joe Hollywood 72 d'après la trilogie cinématographique de Paul Morrissey Flesh/Trash/Heat qui réunissait la plupart des « Superstars » de la Factory d'Andy Warhol.
Suite à ce diptyque, dans lequel j'interprétais déjà Holly Woodlawn, j'ai eu envie d'aller plus loin en adaptant sous forme de cabaret performatif son autobiographie A Low Life In High Heels sous le titre One Night With Holly Woodlawn.

Sa « Vie de merde en talons hauts » (traduction littérale du titre de son autobiographie) y était racontée sous la forme d'un cabaret inspiré des propres spectacles de Holly, à savoir un savant mélange de stand-up et de transformisme agrémenté de chansons plus ou moins bien chantées (d'après ses propres dires) le tout avec une sacrée dose d'humour et d'autodérision généreuse et libre.
Holly a fait ses premiers pas d'artiste de cabaret au Reno Sweeney, lieu nocturne mythique situé au 126 W. 13th Street à New York. C'est également là que Little Eddie Beale fera son spectacle en 1978.

Accompagnée par le pianiste David Lewis, le show (construit à peu de choses près de la même manière que celui d'Holly) mêlait des récits improvisés avec bien évidemment les chansons omniprésentes dans le film des Maysles dont le cultissime Tea For Two que chante notamment sa mère dans le documentaire.

Edith Beale au Reno Sweeney/L'art de la chute comme j'aime à le nommer se situera donc dans ce club-fantôme qui en son temps a accueilli de nombreux artistes de la « marge » (sociale ou genrée, voire les deux concernant Holly). Le point de vue de la pièce étant surtout mené par « Little Edie », c'est dans le cadre d'un Reno Sweeney réinventé qu'elle se jouera, Edie conviant sur scène l'équipe du cabaret (et donc du spectacle) pour jouer les autres personnages. Sa mère, bien sûr. Mais aussi le pianiste et les techniciens pour interpréter les différents rôles imaginés par Sara Stridsberg dans le corps d'un seul et même acteur.
Là, le transformisme suggéré par l'autrice se déploiera à l'échelle d'un lieu : le Reno Sweeney donc, et particulièrement le si bien nommé « Paradise Room », l'arrière-salle où les spectacles se jouaient. Inscrire la pièce dans ce lieu signifie pour moi que ce n'est plus la chambre ou la maison que la mère et la fille transforment en scène de représentation mais plutôt l'inverse, c'est la scène qui devient leur maison ou leur chambre : intime, folle et « théâtrale ». À leur image. Ce qu'on sait moins par chez nous c'est que le film « Grey Gardens » des frères Maysles a offert en 1975 la célébrité à ces deux personnalités qui font de leur « chute » une fierté, voire une provocation bien sentie à la face du monde « normal ».

Après la sortie du film et son succès, outre le spectacle de « Little Edie » à 60 ans passés, elles sont devenues des figures incontournables de la pop culture américaine. Après les jeunes gens « superstars » de la Factory de Warhol, ce seront ces 2 femmes « agées » donc « improductives » qui prendront le relais underground des années 70.

Aujourd'hui encore, leur influence ne se démentit pas. Que ce soit le milieu de la mode (Calvin Klein, Todd Oldham et Isaac Mizrahi s'inspireront ouvertement des costumes inventés par Edie, Richard Galliano créera même une collection inspirée de ses différentes tenues), celui bien sûr du cinéma (un remake de la chaîne HBO avec Jessica Lange et Drew Barrymore a été réalisé en 2009) ou celui de la musique (une comédie musicale à Broadway en 2006), elles sont également devenues des icônes queer (en 2010, Jeffrey Johnson, acteur transgenre, refera à l'identique le spectacle d'Edie). Il ne manquait plus que le théâtre pour rendre hommage à ces figures étranges et magnifiques, drôles et bouleversantes, anges et démons, miroirs réfléchissants d'une société malade, mais en musique et en rythme.

“Picture you upon my knee. Just tea for two and two for tea. Me for you and you for me alone. (…) Can't you see. How happy we would be ?” L'art de la chute

LE FILM GREY GARDENS

En 1973, les frères Maysles, cinéastes indépendants new-yorkais, se rendent à « Grey Gardens » pour y filmer Edith Bouvier Beale et sa fille Edith, deux Américaines du grand monde qui se sont progressivement marginalisées. Respectivement tante et cousine de Jackie Kennedy, elles vivent alors dans un manoir de 28 pièces en délabrement au cœur d'East Hampton, la station balnéaire des riches new-yorkais. Si le synopsis n'est au départ pas très vendeur – filmer deux femmes dans une maison de laquelle ne s'échappe que Little Eddie pour se rendre dans le jardin – les Maysles savent déjà qu'au terme de six semaines de tournage, ils repartiront avec un documentaire authentique, mais surtout mythique.

Sur les 28 pièces de la maison, seules 25 sont utilisées, les autres n'étant plus vraiment exploitables. Malgré le grand ménage de printemps opéré au début des années 70 par Jackie Kennedy, le désordre est omniprésent, si bien que les réalisateurs doivent, durant toute la durée du tournage, porter des protections autour des chevilles pour empêcher de se blesser.

Les deux femmes évoluent dans des petites pièces, se donnant quelque fois en spectacle – pour le plus grand bonheur des frères Maysles. Elles passent le plus clair de leur temps dans la « chambre jaune » où deux lits sont adossés au mur. Sur l'un s'amasse quantité de babioles, tandis que l'autre est presque toujours fait au carré. Le premier est celui de la mère, le deuxième celui de la fille.

Malgré un environnement surprenant, qui mériterait un film à lui tout seul, ce sont bien les deux femmes qui sont au centre du documentaire. Big et Little Eddie sont souvent en conflit, parlant en même temps et s'interrompant sans arrêt. Mais à y regarder de plus près, on observe un drôle de manège : un amour inconditionnel crève l'écran, ravivé par une admiration mutuelle aussi touchante que troublante. Si, plusieurs fois, la fille annonce qu'elle va quitter le domicile pour aller vivre sa vie ailleurs, elle ne le fera jamais, préférant rester au côté de sa mère.

À sa sortie, en 1975, le documentaire recevra les éloges de nombreux journaux et magazines. Tandis que le East Hampton Star écrit « Attendez d'entendre Edith Bouvier Beale, 80 ans, chanter “Tea for Two », le film promet de donner à Big et Little Eddie autant de place dans nos arts que Blanche DuBois a pu acquérir. », le Daily News qualifie le long-métrage de « portrait intense et intime. Richement humain et très émouvant. ».

@ Guillaume Bosson

Contacts

Aurélia Marin
Collaboratrice artistique Les gens déraisonnables
T. +33 (0)6 79 73 18 53
aurelia.marin mailo.com

Odile Massart
Administration / Parmi les Lucioles
T. 06 49 29 47 25
theatredeslucioles
@wanadoo.fr

Nageuse de l'extrême

Les Lucioles — 2023-06-20T11:01:32Z

Texte et mise en scène
ÉLISE VIGIER

A partir d'entretiens avec
MARION JOFFLE

Avec
ÉLISE VIGIER
LÉNA BOKOBZA-BRUNET

Création sonore
ÉTIENNE BONHOMME

Assistant.e à la mise en scène
FLAVIEN BEAUDRON

Travail sur le mouvement
SÉBASTIEN DAVIS-VANGELDER

Lumières
BRUNO MARSOL

Costumes
LAURE MAHÉO

Régie son et lumière
BAPTISTE GALAIS

Production
Les Lucioles – Rennes

Coproduction
et accueil en résidence
La Comédie de Caen
CDN de Normandie
Théâtre Ouvert
Paris

Avec l'aide du
Fonds SACD Théâtre

La série de représentations présentées dans le cadre du Festival d'Avignon bénéficie du soutien financier de Spectacle vivant en Bretagne

NAGEUSE DE L'EXTRÊME met en avant le combat de deux femmes qui ont en commun l'expérience du corps fragilisé, diminué, transformé et « augmenté » par l'endurance extrême.

D‘un côté, une jeune sportive, nageuse en eau glacée. Cette discipline, encore méconnue en France, se pratique principalement dans des eaux en dessous de 5 degrés. Sport dangereux, il plonge le corps dans un environnement agressif et hostile. La nageuse parle de ses entrainements, de ses traversées en eau froide, le corps glacé qui reste en mouvement alors que l'esprit s'est échappé, évaporé sous l'effet de l'hypothermie…

De l'autre, une femme plus âgée, qui défi la maladie dans les couloirs d'hôpitaux. Sidération, solitude, elle parle de cette rencontre avec le crabe, celui qui mange les entrailles, qui mutile le corps. Elle traverse cet espace incertain entre diagnostic et fin de traitement.

Sur scène, ces deux fictions/réalités se croisent dans une salle d'attente. Toutes les deux racontent leur aventure : les apnées, les incertitudes, le comique des situations, le frottement avec l'absurde… Que ce soit dans la performance ou la souffrance, elles parlent d'un corps qu'elles ne contrôlent plus, transformé, amoindrit, devenu étranger… Elles se découvrent dans leurs histoires et dans cette joie féroce de se sentir vivantes.

>> LA PRESSE EN A PARLÉ...

LA TERRASSE - le 17 septembre 2024 par Manuel Piolat Soleymat
(...) Le personnage que la metteuse en scène incarne dévoile, sans fard, les conséquences physiques et psychologiques des traitements qu'elle a subis. Ces mots d'une précision et d'une exigence à couper le souffle font cause commune avec le témoignage de Marion Joffre, dont Léna Bokobza-Brunet s'empare avec une justesse qui se passe d'esbroufe. Tout au long du spectacle, les deux artistes se regardent, s'écoutent, se sourient, au plus près du public, dans un dispositif de représentation trifrontal. La sororité qu'elles convoquent est très touchante. En pleine complicité, les deux artistes trouvent l'équilibre d'un geste théâtral à la fois simple et risqué. C'est la vie qui gagne, ici, soutenue par des percées d'humour, des envolées de résilience. Nous, nous regardons ces deux femmes. Et nous sommes émus.
Article en ligne > ici

L'OEIL D'OLIVIER - le 17 septembre 2024 par Olivier Frégaville-Gratian d'Amore
(...) Élise Vigier entrecroise les deux récits, les fait se répondre avec beaucoup de pudeur et délicatesse. Sans jamais s'apitoyer sur son sort ni sur les états d'âme de Marion Joffle, elle signe une œuvre rare, touchante, profondément humaine. Au-delà de deux intimités qui s'entrechoquent, "Nageuse de l'extrême – portrait d'une femme givrée", donne à voir deux natures, deux combattantes, l'une du quotidien, l'autre de l'extraordinaire. Deux belles leçons de vie !
Article en ligne > Ici

JOURNAL D'ARMELLE HÉLIOT - 25 septembre 2024 par Armelle Héliot
(...) En à peine plus d'une heure, du vrai grand théâtre, qui éclaire et émeut, fait réfléchir et comble .
Article en ligne > Ici

TÉLÉRAMA - 24 septembre 2024
"Nageuse de l'extrême", immersion bouleversante dans le combat de deux jeunes femmes(...)
Article en ligne > ici

LE POINT - le 17 septembre 2024 par Baudouin Eschapasse
(...) Ces deux histoires se font écho par bien des aspects : elles décrivent en effet le combat de deux femmes pour garder la tête hors de l'eau, évoquent des corps-à-corps épuisants contre les éléments et décrivent finement ce miracle de l'existence : la possibilité de vivre longtemps en apnée.
Article en ligne > ici

CULT.NEWS - 29 septembre 2024 par Odile Cougoule
(...) La pièce se déroule sans aspérités. On reste attentifs au récit comme en flottaison sans trop savoir vers quel horizon nous dérivons. Aucune trace de drame ne se glisse dans ces vies, on ressent juste la vérité d'une étape au cours de laquelle il ne faut pas se perdre de vue.
Article en ligne > ici

MANITHEA - 17 septembre 2024
(...) La mise en parallèle de ces deux histoires apporte une profondeur unique et étonnante à leurs expériences respectives. En croisant les parcours d'une nageuse défiant l'océan et d'une patiente défiant la maladie, la pièce nous rappelle la ténacité de l'esprit humain et l'importance de la résilience face à l'adversité. Elle propose une réflexion sur la manière dont nous affrontons les défis et la joie de leur survivre et de ce sentir vivant lorsqu'on atteint l'autre rive. Une pièce intéressante et touchante.
Article en ligne > ici

JE N'AI QU'UNE VIE - 18 septembre 2024 par Guillaume d'Azemar de Fabriques
(...) La justesse de Nageuse de l'Extrême, c'est d'aller au-delà des combats, au delà du cri. De montrer ce monde qui n'est accessible qu'à ceux qui sont revenus d'au-delà de leurs limites.
Article en ligne > ici

NAJA 21 - 13 juillet 2025 par Véronique Giraud
L'une gagne la compétition, l'autre regagne la vie. La joie et la force de la nageuse, magnifiquement incarnée par Léna Bokobza-Brunet, sont contagieuses. Le désarroi d'Élise Vigier, qui joue sa propre expérience de vie, l'est aussi. Chacune est attentive à l'autre, à l'écoute de l'autre. Toutes deux partagent la joie d'être vivantes.(...) La grâce de leurs gestes, la légèreté de leur course nautique exprime, mieux encore que les mots, la beauté de la vie quand les forces s'unissent contre vents et marées.

@Christophe Raynaud de Lage

>> NOTE D'INTENTION ÉLISE VIGIER

Il y a un an, j'ai fait la connaissance de Marion Joffle, elle a 24 ans, elle est nageuse de l'extrême.
Adolescente, Marion découvre la nage en eau libre, cette discipline encore méconnue en France se pratique principalement dans des eaux de moins de 5°C. Depuis, elle enchaîne les défis et les records. Le 21 août 2022, elle réalise le rêve de sa vie en traversant la Manche en 9 heures 22 minutes, battant au passage le record de France féminin.

J'ai voulu écrire un texte qui raconte cette traversée.
Une femme se déshabille, entre dans l'eau froide, glacée, et elle nage.
On éprouve chaque détail de son aventure : les mouvements du corps, les sensations, les découvertes, les rencontres avec les éléments… description du bateau qui l'accompagne et la ravitaille en boissons chaudes et nourritures sucrées.
Elle nage sans s'arrêter vers l'autre rive. Réussira-t-elle à l'atteindre ? Qui a-t-il de l'autre côté ? Qu'est-ce qui se passe dans son corps, dans sa tête pendant l'effort ? Le sel attaque la peau, les muscles, le visage. Les piqures des méduses renforcent la douleur, la fatigue, l'épuisement. Elle ne sent plus les extrémités de ses membres… Où partent ses pensées alors qu'elle nage ?

J'ai choisi de croiser cette traversée concrète de la Manche à une autre traversée, celle de la maladie. La rencontre avec le crabe, celui qui mange les entrailles, la perte et le remplacement de certaines parties du corps...

Je suis sortie il y a peu d'une « récidive » (mot terrible ! le même utilisé pour les prisonniers que pour les malades) d'un cancer du sein.
J'ai eu envie de parler de manière fictionnelle de cette traversée, et de ce que la maladie modifie dans le rapport à son propre corps que l'on considère soudain comme étrange, étranger, ce corps qui devient une étrangeté, le rapport à la douleur, à la force mentale. Le rapport à la beauté, à l'effort, à la matière terrestre : tout est imperceptiblement modifié. Le lien à la vie change.
Cette autre traversée arrive en pensée par bribes, pas forcément de façon claire, mais surgit de temps en temps.
Réalité fictive inscrite dans le temps d'une traversée à la nage. Être dans les paradoxes et la drôlerie, dans les contradictions.

Après plusieurs rendez-vous avec Marion, interviews, enregistrements, j'ai retranscrit ce qui constitue une matière pour le texte et le portrait croisé de ces deux femmes.
Les deux histoires se mélangent, se confondent et racontent les apnées, les incertitudes, le comique des situations, le frottement avec l'absurde…

La partition sonore est écrite par le musicien Etienne Bonhomme : une composition qui intègre les sons et les bruits de la mer, une partition aquatique et sous-marine d'une traversée de la Manche en solitaire.
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Photos de Christophe Raynaud de Lage

Contact diffusion

Emmanuelle Ossena / EPOC productions
e.ossena epoc-productions.net
T. 33 (0)6 03 47 45 51

Tournée 2024/2025

16 > 28 septembre 2024 Théâtre Ouvert - Paris
24 > 28 février 2025
Le Quai - CDN - Angers
2 > 4 avril 2025
Théâtre du Point du Jour – Lyon
13 > 16 mai 2025
Le Quai, CDN - Angers
5 au 24 Juillet 2025
Théâtre du Train Bleu - Avignon